No está mal que a los soldados los pongan a hacer yoga. Muy ingenioso el proyecto de Dan Abramson.
https://www.kickstarter.com/projects/241445217/yoga-joes-army-men-doing-yoga

Pietro Mascagni - “Cavalleria rusticana” (Intermezzo)

"Cavalleria rusticana"  es de mis preferidas!  cerrad los ojos, respirad profundo… y disfrutemos 5 minutos…

15 Marzo 2010

20 fotógrafos para quitarse el sombrero: 1 - Duane Michals (9)
Serán los 20 primeros. Eso no significa que no haya muchísimos más. Ya los iremos viendo. Aquí están ordenados alfabéticamente, pero yo los iré tratando no en este orden.
1. RICHARD AVEDON
2. DAVID BAILEY
3. HENRI CARTIER-BRESSON
4. ROBERT FRANK
5. NAN GOLDIN
6. ANNIE LEIBOVITZ
7. JAY MAISEL
8. MARY ELLEN MARK
9. DUANE MICHALS
10. JAMES NACHTWEY
11. HELMUT NEWTON
12. ARNOLD NEWMAN
13. GORDON PARKS
14. IRVING PENN
15. PETE TURNER
16. EUGENE RICHARDS
17. SEBASTIÃO SALGADO
18. HERB RITTS
19. JERRY UELSMANN
20. ALBERT WATSON
 ______
Duane Michals (n. 18 de febrero de 1932) es un fotógrafo norteamericano, nacido en Mckeesport, Pensilvania EEUU. Su fotografía destacó en los años setenta por sus secuencias y la incorporación de textos como elementos de las fotos. Se le considera uno de los principales representantes de la fotografía conceptual y filosófica.
“Duane Michals,es un fotografo americano que acredita su fama y su singular mirada a la falta de educación formal como fotógrafo, un autodidacta.
De hecho, casi siempre sus imágenes se construyen como una reflexión metafísica sobre la condición humana, el sexo, el humor o la violencia, para la que se sirve de su propio cuerpo y su rostro. Sus comienzos revelan la gran influencia de Atget en la fotografía norteamericana con escenarios recurrentes como los restaurantes, salas de espera o recepciones de hotel, pero en 1966 comienza a hacerse con un estilo propio y único a través de la técnica de la secuenciación: una sucesión de fotografías como forma de contar historias con, incluso, un desarrollo temporal. Una técnica que perfiló aún más en sus trabajos a mediados de la década de los 70 al incluir pequeños manuscritos en las copias para reforzar su significado.

Propone una estetica que coquetea con el surrealismo de Magritte, con un universo que se sitúa en la frontera entre la realidad y la ficción.
"Me gusta la ironía", afirma Michals, quien a sus 78 años conserva un envidiable sentido del humor. Él critica a sus colegas más pretenciosos. "Los artistas de hoy, que tienen ideas de una envergadura muy corta, necesitan grandes formatos para simular que están haciendo algo interesante. Los que tienen ideas brillantes pueden trabajar perfectamente en formatos reducidos porque sus ideas relucirán con intensidad. Vivimos en una sociedad completamente estúpida, donde se valora más la imagen que la idea", explica Michals.
El destino metalúrgico depositó en Pennsylvania a su padre acerero y a su madre asistenta doméstica, por lo que su interés por el arte sorprendió a propios y extraños de una comunidad de emigrantes checos de clase media. A los 14 años Duane Michals tuvo claro que ni el acero ni la limpieza serían el destino de su existencia, y a los 17 pasó semanas ahorrando para comprarse su primer libro de poesía. Hojas de hierba de Walt Whitman.
En 1953 se graduó en Bellas Artes en la Universidad de Denver y después pasó dos infernales años como teniente de la armada.
Al salir de allí se dirigió a Nueva York con la intención de convertirse en diseñador estudiando en la Escuela de Diseño Parsons, estudios que abandonó un año después para dedicarse a varios trabajos publicitarios que se le presentaron en Madmoiselle, Esquire y un puesto de diseñador en la revista Time.
En 1958, un viaje de tres semanas por la Unión Soviética y una cámara prestada como acompañante cambiaron a Duane Michals para siempre. Fue ésta, tras la de Whitman, la segunda y definitiva revelación que desembocaría en el futuro de la emoción fotográfica que hasta hoy ha desarrollado este fotógrafo que es hoy considerado como uno de los más importantes artistas de este arte de todo el siglo XX.
Las primeras series que realizó fueron influenciadas por el trabajo de Atget, con vistas de restaurantes, salas de espera y vestibulos, a las que dio el nombre de”Empty New York”.
Para poder fotografiar y explorar a través de la fotografía las facetas de sus muy personales emociones, Michals tenía que ganarse la vida haciendo fotografía comercial. Duane ha fotografiado todo, o casi todo: Desde portadas para la revista Life; desplegables de moda para Vogue; reportajes anuales para el New York Times, hasta campañas de publicidad para Gap y Microsoft. Incluso diseñó la portada del album Synchronicity de The Police.

Él fabrica la realidad antes de mostrarla subjetivamente.

Cuando Michals toma la cámara para dejar la publicidad de lado, se apodera de él el impulso de la intriga, y la inspiración para hacer de la fotografía la visión de sus sueños, temores y deseos. Empleando la técnica de la doble y triple exposición, y escribiendo textos o pintando directamente sobre el papel fotográfico, Michals consigue un estilo entre lo surreal y lo cinemático. No en vano, tiene entre sus ídolos y fuentes de inspiración a Magritte, De Chirico y Balthus, a quienes se ha encargado también de inmortalizar.

Fue muy criticado en los 70 por demostrar que la fotografia era un medio para fijar relatos muy interiores en vez de objetos bellos. Su serie Sequences -de finales de los sesenta y principios de los setenta- contiene dos de sus aportes más reconocidos e importantes a la fotografía. Es un trabajo con secuencias de imágenes (entre 5 y 15 por obra). Es un esfuerzo experimental para contar una historia en la que la realidad nunca está presente, siempre va arrastrada por el tiempo. El resultado son obras enigmáticas, casi ilustraciones de fantasías oníricas donde el tiempo, insertado entre los lapsos de las secuencias, recubre de incertidumbre el sentido de su sucesión. Esto, y la inclusión de textos y pintura, supuso no sólo su consagración como autor sino que se convirtió en punto de referencia obligado al hablar de la capacidad narrativa de la fotografía. "Quien ve mis fotos ve mis pensamientos" es una declaración de principios por parte de Michals pero también una sutil llamada a la complicidad con el espectador.

Con la sucesión de imágenes que constituyen una secuencia, Michals consigue desarrollar discursos sobre todo metafísicos, apoyándose en escenarios desnudos. A quienes le han acusado de servirse de esta técnica para desfogarse de su deseo de hacer cine, Michals les responde que las fotosecuencias son al cine lo que la poesía a la novela: una sintaxis completamente diferente.
Su trabajo, además de ser influenciado por el surrealismo, tambien fue por el budismo Zen. A René Magritte lo fotografio varias veces. Fue una serie realizada en una visita de varios días a su estudio en Bélgica. La incisiva mirada de Michals penetra en el ámbito privado del famoso pintor dando como resultado una extraordinaria sintonía visual con el universo personal y simbólico de Magritte.

Sus imágenes tratan de fantasias eróticas, humoristicas, muchas veces violentas,de ocurrencia espontánea, utiliza luz natural y muy poco equipo tecnico. En ocasiones sus imágenes son borrosas e insinúan historias fantasmales, espiritualidad, enfatizan lo oculto, lo misterioso.
"La realidad no me interesa en absoluto. Prefiero vivir en un mundo irreal, me parece más estimulante. Nunca me ha interesado la calle, no creo que ahí afuera ocurra nada interesante. Al contrario que otros colegas, yo no me he paseado jamás con la cámara a cuestas para captar una instantánea. A mí, sobre todo, me interesan las emociones y los sueños. Lo que pasa en la calle actualmente es demasiado estúpido como para prestarle atención".

En el PhotoEspaña 2001, cuarta edicion, fue reconocido con el galardón más importante de este Festival Internacional, por su “vocación indagatoria” del alma humana y su “raigambre existencia”. Este premio tiene como objetivo galardonar a autores internacionales que han asentado las bases de la fotografía y han marcado un antes y un después en este arte como Josef Koudelka. Duane Michals siente tanta pasión por los cuentos como por el cine. Siente un gran entusiasmo por Borges y por Truffaut, por un mundo, en definitiva, en el que lo importante es la idea, no la imagen.
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Exposicion de fotografia granada en sus pilares del 2 al 19 diciembre
Exposicion de fotografia granada en sus pilares del 2 al 19 diciembre

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servido por martamiraalrededor 14 comentarios compártelo


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Super Helen dijo
Conozco algunos de los de tu lista pero este no lo conocía y me ha encantado. Qué buena la del tipo que le salen flores de la boca!!!
Besos, niña. Bien grandes.
15 Marzo 2010 | 02:39 AM




Victor dijo
bonita y envidiable la imaginacion de estos geniossss…saludos
15 Marzo 2010 | 08:00 AM



mario dijo
Marta!
Me encantantus recopilaciones, siempre propositivas.
Oye, me hacen falta Manuel Álvarez Bravo y Chema Madoz!! para que la colección tenga algo de lo nuestro!!
15 Marzo 2010 | 06:05 PM




yeidylayei dijo
Muy buenos trabajos
15 Marzo 2010 | 10:35 PM




martamiraalrededor dijo
Helen, es que hay algunos de la lista muy poco conocidos en España. Los “cotillearemos” pues!
Un besote, querida!
;)
16 Marzo 2010 | 08:07 PM




martamiraalrededor dijo
Víctor, y bonita y envidiable la fotografía que haces tú!!! Guauuu!!! Yo nunca he buceado!! Me parece como de otro planeta!! Es una pasada!!!
Saludos!
16 Marzo 2010 | 08:08 PM




martamiraalrededor dijo
Mario, don’t worry! Trataremos también después a los que propones. Chema Madoz creo que ya ha estado por aquí como comment a una expo que vi de él.
Un besote!
Marta
16 Marzo 2010 | 08:10 PM




martamiraalrededor dijo
:) yeidylayei!
16 Marzo 2010 | 08:11 PM



mario dijo
Marta, preocupado no estoy, jajaja
16 Marzo 2010 | 08:17 PM




martamiraalrededor dijo
jajaja, es que te imaginaba ya sin dormir por el tema!!! jajaj
(es bromaaaaaa…, ya sé que por lo único que no duermes es por nuestro Atlético de Madrid!!!!)
:)
16 Marzo 2010 | 08:30 PM




mvg dijo
Vaya selección!!!!! gracias por compartirlo. Muacckkkkkkkssss
17 Marzo 2010 | 12:59 PM




martamiraalrededor dijo
qué guay tu entusiasmo, mvg!! A ver si tengo un ratico -que mis clientes me tienen secuestrada (son piratas somalíes)- y atacamos a otro fotógrafo ¿ok?
Un besote!
Marta
17 Marzo 2010 | 08:47 PM




xiao zhi dijo
Wow!I am interested in this post!In the other hand,I am looking forward to hearing from your next one.DVD Movies
4 Enero 2011 | 01:31 PM




martamiraalrededor dijo
:)
5 Enero 2011 | 08:34 PM

15 Marzo 2010

20 fotógrafos para quitarse el sombrero: 1 - Duane Michals (9)

Serán los 20 primeros. Eso no significa que no haya muchísimos más. Ya los iremos viendo. Aquí están ordenados alfabéticamente, pero yo los iré tratando no en este orden.

  • 1. RICHARD AVEDON
  • 2. DAVID BAILEY
  • 3. HENRI CARTIER-BRESSON
  • 4. ROBERT FRANK
  • 5. NAN GOLDIN
  • 6. ANNIE LEIBOVITZ
  • 7. JAY MAISEL
  • 8. MARY ELLEN MARK
  • 9. DUANE MICHALS
  • 10. JAMES NACHTWEY
  • 11. HELMUT NEWTON
  • 12. ARNOLD NEWMAN
  • 13. GORDON PARKS
  • 14. IRVING PENN
  • 15. PETE TURNER
  • 16. EUGENE RICHARDS
  • 17. SEBASTIÃO SALGADO
  • 18. HERB RITTS
  • 19. JERRY UELSMANN
  • 20. ALBERT WATSON

 ______

Duane Michals (n. 18 de febrero de 1932) es un fotógrafo norteamericano, nacido en Mckeesport, Pensilvania EEUU. Su fotografía destacó en los años setenta por sus secuencias y la incorporación de textos como elementos de las fotos. Se le considera uno de los principales representantes de la fotografía conceptual y filosófica.

Duane Michals,es un fotografo americano que acredita su fama y su singular mirada a la falta de educación formal como fotógrafo, un autodidacta.

De hecho, casi siempre sus imágenes se construyen como una reflexión metafísica sobre la condición humana, el sexo, el humor o la violencia, para la que se sirve de su propio cuerpo y su rostro. Sus comienzos revelan la gran influencia de Atget en la fotografía norteamericana con escenarios recurrentes como los restaurantes, salas de espera o recepciones de hotel, pero en 1966 comienza a hacerse con un estilo propio y único a través de la técnica de la secuenciación: una sucesión de fotografías como forma de contar historias con, incluso, un desarrollo temporal. Una técnica que perfiló aún más en sus trabajos a mediados de la década de los 70 al incluir pequeños manuscritos en las copias para reforzar su significado.

Propone una estetica que coquetea con el surrealismo de Magritte, con un universo que se sitúa en la frontera entre la realidad y la ficción.

"Me gusta la ironía", afirma Michals, quien a sus 78 años conserva un envidiable sentido del humor. Él critica a sus colegas más pretenciosos. "Los artistas de hoy, que tienen ideas de una envergadura muy corta, necesitan grandes formatos para simular que están haciendo algo interesante. Los que tienen ideas brillantes pueden trabajar perfectamente en formatos reducidos porque sus ideas relucirán con intensidad. Vivimos en una sociedad completamente estúpida, donde se valora más la imagen que la idea", explica Michals.

El destino metalúrgico depositó en Pennsylvania a su padre acerero y a su madre asistenta doméstica, por lo que su interés por el arte sorprendió a propios y extraños de una comunidad de emigrantes checos de clase media. A los 14 años Duane Michals tuvo claro que ni el acero ni la limpieza serían el destino de su existencia, y a los 17 pasó semanas ahorrando para comprarse su primer libro de poesía. Hojas de hierba de Walt Whitman.

En 1953 se graduó en Bellas Artes en la Universidad de Denver y después pasó dos infernales años como teniente de la armada.

Al salir de allí se dirigió a Nueva York con la intención de convertirse en diseñador estudiando en la Escuela de Diseño Parsons, estudios que abandonó un año después para dedicarse a varios trabajos publicitarios que se le presentaron en Madmoiselle, Esquire y un puesto de diseñador en la revista Time.

En 1958, un viaje de tres semanas por la Unión Soviética y una cámara prestada como acompañante cambiaron a Duane Michals para siempre. Fue ésta, tras la de Whitman, la segunda y definitiva revelación que desembocaría en el futuro de la emoción fotográfica que hasta hoy ha desarrollado este fotógrafo que es hoy considerado como uno de los más importantes artistas de este arte de todo el siglo XX.

Las primeras series que realizó fueron influenciadas por el trabajo de Atget, con vistas de restaurantes, salas de espera y vestibulos, a las que dio el nombre de”Empty New York”.

Para poder fotografiar y explorar a través de la fotografía las facetas de sus muy personales emociones, Michals tenía que ganarse la vida haciendo fotografía comercial. Duane ha fotografiado todo, o casi todo: Desde portadas para la revista Life; desplegables de moda para Vogue; reportajes anuales para el New York Times, hasta campañas de publicidad para Gap y Microsoft. Incluso diseñó la portada del album Synchronicity de The Police.

Él fabrica la realidad antes de mostrarla subjetivamente.

Cuando Michals toma la cámara para dejar la publicidad de lado, se apodera de él el impulso de la intriga, y la inspiración para hacer de la fotografía la visión de sus sueños, temores y deseos. Empleando la técnica de la doble y triple exposición, y escribiendo textos o pintando directamente sobre el papel fotográfico, Michals consigue un estilo entre lo surreal y lo cinemático. No en vano, tiene entre sus ídolos y fuentes de inspiración a Magritte, De Chirico y Balthus, a quienes se ha encargado también de inmortalizar.

Fue muy criticado en los 70 por demostrar que la fotografia era un medio para fijar relatos muy interiores en vez de objetos bellos. Su serie Sequences -de finales de los sesenta y principios de los setenta- contiene dos de sus aportes más reconocidos e importantes a la fotografía. Es un trabajo con secuencias de imágenes (entre 5 y 15 por obra). Es un esfuerzo experimental para contar una historia en la que la realidad nunca está presente, siempre va arrastrada por el tiempo. El resultado son obras enigmáticas, casi ilustraciones de fantasías oníricas donde el tiempo, insertado entre los lapsos de las secuencias, recubre de incertidumbre el sentido de su sucesión. Esto, y la inclusión de textos y pintura, supuso no sólo su consagración como autor sino que se convirtió en punto de referencia obligado al hablar de la capacidad narrativa de la fotografía. "Quien ve mis fotos ve mis pensamientos" es una declaración de principios por parte de Michals pero también una sutil llamada a la complicidad con el espectador.

Con la sucesión de imágenes que constituyen una secuencia, Michals consigue desarrollar discursos sobre todo metafísicos, apoyándose en escenarios desnudos. A quienes le han acusado de servirse de esta técnica para desfogarse de su deseo de hacer cine, Michals les responde que las fotosecuencias son al cine lo que la poesía a la novela: una sintaxis completamente diferente.

Su trabajo, además de ser influenciado por el surrealismo, tambien fue por el budismo Zen. A René Magritte lo fotografio varias veces. Fue una serie realizada en una visita de varios días a su estudio en Bélgica. La incisiva mirada de Michals penetra en el ámbito privado del famoso pintor dando como resultado una extraordinaria sintonía visual con el universo personal y simbólico de Magritte.

Sus imágenes tratan de fantasias eróticas, humoristicas, muchas veces violentas,de ocurrencia espontánea, utiliza luz natural y muy poco equipo tecnico. En ocasiones sus imágenes son borrosas e insinúan historias fantasmales, espiritualidad, enfatizan lo oculto, lo misterioso.

"La realidad no me interesa en absoluto. Prefiero vivir en un mundo irreal, me parece más estimulante. Nunca me ha interesado la calle, no creo que ahí afuera ocurra nada interesante. Al contrario que otros colegas, yo no me he paseado jamás con la cámara a cuestas para captar una instantánea. A mí, sobre todo, me interesan las emociones y los sueños. Lo que pasa en la calle actualmente es demasiado estúpido como para prestarle atención".

En el PhotoEspaña 2001, cuarta edicion, fue reconocido con el galardón más importante de este Festival Internacional, por su “vocación indagatoria” del alma humana y su “raigambre existencia”. Este premio tiene como objetivo galardonar a autores internacionales que han asentado las bases de la fotografía y han marcado un antes y un después en este arte como Josef Koudelka. Duane Michals siente tanta pasión por los cuentos como por el cine. Siente un gran entusiasmo por Borges y por Truffaut, por un mundo, en definitiva, en el que lo importante es la idea, no la imagen.

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14 comentarios · Escribe aquí tu comentario

Super Helen

Super Helen dijo

Conozco algunos de los de tu lista pero este no lo conocía y me ha encantado. Qué buena la del tipo que le salen flores de la boca!!!

Besos, niña. Bien grandes.

15 Marzo 2010 | 02:39 AM

Victor

Victor dijo

bonita y envidiable la imaginacion de estos geniossss…
saludos

15 Marzo 2010 | 08:00 AM

mario

mario dijo

Marta!

Me encantantus recopilaciones, siempre propositivas.

Oye, me hacen falta Manuel Álvarez Bravo y Chema Madoz!! para que la colección tenga algo de lo nuestro!!

15 Marzo 2010 | 06:05 PM

yeidylayei

yeidylayei dijo

Muy buenos trabajos

15 Marzo 2010 | 10:35 PM

martamiraalrededor

martamiraalrededor dijo

Helen, es que hay algunos de la lista muy poco conocidos en España. Los “cotillearemos” pues!

Un besote, querida!

;)

16 Marzo 2010 | 08:07 PM

martamiraalrededor

martamiraalrededor dijo

Víctor, y bonita y envidiable la fotografía que haces tú!!! Guauuu!!! Yo nunca he buceado!! Me parece como de otro planeta!! Es una pasada!!!

Saludos!

16 Marzo 2010 | 08:08 PM

martamiraalrededor

martamiraalrededor dijo

Mario, don’t worry! Trataremos también después a los que propones. Chema Madoz creo que ya ha estado por aquí como comment a una expo que vi de él.

Un besote!

Marta

16 Marzo 2010 | 08:10 PM

mario

mario dijo

Marta, preocupado no estoy, jajaja

16 Marzo 2010 | 08:17 PM

martamiraalrededor

martamiraalrededor dijo

jajaja, es que te imaginaba ya sin dormir por el tema!!! jajaj

(es bromaaaaaa…, ya sé que por lo único que no duermes es por nuestro Atlético de Madrid!!!!)

:)

16 Marzo 2010 | 08:30 PM

mvg

mvg dijo

Vaya selección!!!!! gracias por compartirlo. Muacckkkkkkkssss

17 Marzo 2010 | 12:59 PM

martamiraalrededor

martamiraalrededor dijo

qué guay tu entusiasmo, mvg!! A ver si tengo un ratico -que mis clientes me tienen secuestrada (son piratas somalíes)- y atacamos a otro fotógrafo ¿ok?

Un besote!

Marta

17 Marzo 2010 | 08:47 PM

xiao zhi

xiao zhi dijo

Wow!I am interested in this post!In the other hand,I am looking forward to hearing from your next one.
DVD Movies

4 Enero 2011 | 01:31 PM

3 Noviembre 2010

20 fotógrafos para quitarse el sombrero: 9 - MARY ELLEN MARK (8)
Seguimos con esta serie…
1. RICHARD AVEDON
2. DAVID BAILEY
3. HENRI CARTIER-BRESSON
4. ROBERT FRANK
5. NAN GOLDIN
6. ANNIE LEIBOVITZ
7. JAY MAISEL
8. MARY ELLEN MARK
9. DUANE MICHALS
10. JAMES NACHTWEY
11. HELMUT NEWTON
12. ARNOLD NEWMAN
13. GORDON PARKS
14. IRVING PENN
15. PETE TURNER
16. EUGENE RICHARDS
17. SEBASTIÃO SALGADO
18. HERB RITTS
19. JERRY UELSMANN
20. ALBERT WATSON
____

Primero, veamos su moleskine:

Después a ella:
Mary Ellen Mark (Filadelfia, 1940) es una de las fotógrafas documentales más prestigiosas y reconocidas internacionalmente, manteniendo una carrera paralela como retratista de producción en la industria del cine.  
Sus trabajos constituyen un canto a la humanidad en sus más diversas y excéntricas facetas, con temas recurrentes en su obra como la gente del circo, los campamentos gitanos y niños que se comportan como adultos. A lo largo de su carrera ha recibido un impresionante número de premios y becas, incluyendo tres National Endowment for Art, el premio de fotoperiodismo Robert F. Kennedy, una beca Guggenheim y varios World Press Photo. Su obra ha sido expuesta internacionalmente en prestigiosas instituciones y sólo ha expuesto en tres ocasiones en España. En la actualidad vive y trabaja en Nueva York.
Mark lleva desde los años 60 trabajando en los rodajes más exclusivos. De hecho, la fotógrafa documental ha participado en más de cien cintas, haciendo lo que los estudios llaman ´foto fija´, algo que ella ha convertido en un apasionante documento de la vida tras los escenarios de los directores y actores más geniales y reconocidos.
Así, desde películas como ´Satyricon´, de Fellini hasta títulos como ´Apocalypse Now´, de Francis Ford Coppola, o ´Alguien voló sobre el nido del cuco´, de Milos Forman, están representados en su obra, que llega hasta trabajos más recientes como los de Tim Burton, con ´Sleepy Hollow´ o Alejandro González Iñárrritu, con ´Babel´.
(leer más)

3 Noviembre 2010

20 fotógrafos para quitarse el sombrero: 9 - MARY ELLEN MARK (8)

Seguimos con esta serie…

Primero, veamos su moleskine:

Después a ella:

Mary Ellen Mark (Filadelfia, 1940) es una de las fotógrafas documentales más prestigiosas y reconocidas internacionalmente, manteniendo una carrera paralela como retratista de producción en la industria del cine.  

Sus trabajos constituyen un canto a la humanidad en sus más diversas y excéntricas facetas, con temas recurrentes en su obra como la gente del circo, los campamentos gitanos y niños que se comportan como adultos. A lo largo de su carrera ha recibido un impresionante número de premios y becas, incluyendo tres National Endowment for Art, el premio de fotoperiodismo Robert F. Kennedy, una beca Guggenheim y varios World Press Photo. Su obra ha sido expuesta internacionalmente en prestigiosas instituciones y sólo ha expuesto en tres ocasiones en España. En la actualidad vive y trabaja en Nueva York.

Mark lleva desde los años 60 trabajando en los rodajes más exclusivos. De hecho, la fotógrafa documental ha participado en más de cien cintas, haciendo lo que los estudios llaman ´foto fija´, algo que ella ha convertido en un apasionante documento de la vida tras los escenarios de los directores y actores más geniales y reconocidos.

Así, desde películas como ´Satyricon´, de Fellini hasta títulos como ´Apocalypse Now´, de Francis Ford Coppola, o ´Alguien voló sobre el nido del cuco´, de Milos Forman, están representados en su obra, que llega hasta trabajos más recientes como los de Tim Burton, con ´Sleepy Hollow´ o Alejandro González Iñárrritu, con ´Babel´.

(leer más)

3 Septiembre 2010

20 fotógrafos para quitarse el sombrero: 8 - JAY MAISEL (7)

Seguimos…

Jay Maisel es un fotógrafo americano (nacido en 1931 en Brooklyn, Nueva York) que utiliza la luz, el color y el gesto para crear imágenes para publicidad, revistas y comunicación empresarial. Se graduó en la Cooper Union y Yale University y continúa su formación enseñando.

Él dice:

Si no te excitan tus fotógrafías, por qué demonios me iban a excitar a mí.”

Ha recibido numerosos premios y sus trabajos se encuentran entre las mejores colecciones públicas y privadas. Su web.

27 Agosto 2010

20 fotógrafos para quitarse el sombrero: 7 - ANNIE LEIBOVITZ (6)
Y seguimos con esta serie…
1. RICHARD AVEDON
2. DAVID BAILEY
3. HENRI CARTIER-BRESSON
4. ROBERT FRANK
5. NAN GOLDIN
6. ANNIE LEIBOVITZ
7. JAY MAISEL
8. MARY ELLEN MARK
9. DUANE MICHALS
10. JAMES NACHTWEY
11. HELMUT NEWTON
12. ARNOLD NEWMAN
13. GORDON PARKS
14. IRVING PENN
15. PETE TURNER
16. EUGENE RICHARDS
17. SEBASTIÃO SALGADO
18. HERB RITTS
19. JERRY UELSMANN
20. ALBERT WATSON
____
Ya hemos hablado de esta magnífica fotógrafa en tres ocasiones (1 , 2 y 3).

Anna-Lou «Annie» Leibovitz (n. Waterbury, Connecticut, 2 de octubre de 1949) es una fotógrafa estadounidense. Fue la primera mujer en exponer su obra en la Galería Nacional de Retratos de Washington D. C. y la última en retratar al músico John Lennon, antes de que éste fuera asesinado en 1980.
Leibovitz es la tercera hija del matrimonio judío compuesto por Samuel Leibovitz, un Teniente Coronel de las Fuerzas Armadas, y Marilyn Heit Leibovitz, una instructora de danza contemporánea. Las labores militares de su padre obligaban a Annie y a sus cinco hermanos a mudarse frecuentemente.
En la secundaria, Leibovitz se interesó en diversas ramas artísticas. Comenzó a escribir y a tocar música, e ingresó al Instituto de Arte de San Francisco en 1967 porque deseaba ser profesora de arte. Su interés por la fotografía surgió en un cuarto oscuro de la base aérea Clark, ubicada en Filipinas, donde su padre fue destinado durante la Guerra de Vietnam. Por varios años continuó desarrollando sus habilidades fotográficas mientras trabajaba en diferentes lugares, incluyendo una temporada en un kibutz israelí en 1969,  lugar en el que participó en una excavación arqueológica en el templo del rey Salomón.
De vuelta a Estados Unidos en 1971, Leibovitz obtuvo una licenciatura en Bellas Artes en el Instituto de Arte de San Francisco. Posteriormente, trabajó junto al fotógrafo Ralph Gibson.
En ese periodo postuló para trabajar como fotógrafa autónoma en la entonces emergente revista Rolling Stone. El editor, Jann Wenner, quedó impresionado con su portafolio y le permitió ser parte del personal de su publicación. Dos años más tarde, Leibovitz fue ascendida a fotógrafa jefe, cargo que mantuvo diez años y en el que realizó ciento cuarenta y dos cubiertas.
En 1975 se le encargó la tarea de documentar la gira musical Rolling Stones Tour of the Americas ‘75 que el grupo británico The Rolling Stones realizó en Estados Unidos y Canadá. Dos años más tarde, las oficinas centrales de Rolling Stone se mudaron a Nueva York, por lo que Leibovitz abandonó la ciudad de San Francisco tras vivir diez años allí.  La llegada a Nueva York estuvo acompañada de diversos problemas, entre ellos, su adicción a las drogas, especialmente a la cocaína. (leer más…)



maravillosa!!!






y más y más… y más… y más…
Su mirada es mágica. Su color, su composición…

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20 fotógrafos para quitarse el sombrero: 1 - Duane Michals (9)
20 fotógrafos para quitarse el sombrero: 3 - David Bailey (2)

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servido por martamiraalrededor 2 comentarios compártelo


2 comentarios · Escribe aquí tu comentario



Super Helen dijo
Me encanta Annie Leivobitz!!!!
28 Agosto 2010 | 03:31 AM




martamiraalrededor dijo
y a mí!! Es la pera! aunque también tiene una suertaza en poder trabajar con esas modelazas y esos diseñadores y ese lujazo y ese todo!! Qué gustoooooooo!!!
Un besito, querida Helen!
2 Septiembre 2010 | 02:34 AM

27 Agosto 2010

20 fotógrafos para quitarse el sombrero: 7 - ANNIE LEIBOVITZ (6)

Y seguimos con esta serie…

  • 1. RICHARD AVEDON
  • 2. DAVID BAILEY
  • 3. HENRI CARTIER-BRESSON
  • 4. ROBERT FRANK
  • 5. NAN GOLDIN
  • 6. ANNIE LEIBOVITZ
  • 7. JAY MAISEL
  • 8. MARY ELLEN MARK
  • 9. DUANE MICHALS
  • 10. JAMES NACHTWEY
  • 11. HELMUT NEWTON
  • 12. ARNOLD NEWMAN
  • 13. GORDON PARKS
  • 14. IRVING PENN
  • 15. PETE TURNER
  • 16. EUGENE RICHARDS
  • 17. SEBASTIÃO SALGADO
  • 18. HERB RITTS
  • 19. JERRY UELSMANN
  • 20. ALBERT WATSON

    ____

    Ya hemos hablado de esta magnífica fotógrafa en tres ocasiones (1 , 2 y 3).

Anna-Lou «Annie» Leibovitz (n. Waterbury, Connecticut, 2 de octubre de 1949) es una fotógrafa estadounidense. Fue la primera mujer en exponer su obra en la Galería Nacional de Retratos de Washington D. C. y la última en retratar al músico John Lennon, antes de que éste fuera asesinado en 1980.

Leibovitz es la tercera hija del matrimonio judío compuesto por Samuel Leibovitz, un Teniente Coronel de las Fuerzas Armadas, y Marilyn Heit Leibovitz, una instructora de danza contemporánea. Las labores militares de su padre obligaban a Annie y a sus cinco hermanos a mudarse frecuentemente.

En la secundaria, Leibovitz se interesó en diversas ramas artísticas. Comenzó a escribir y a tocar música, e ingresó al Instituto de Arte de San Francisco en 1967 porque deseaba ser profesora de arte. Su interés por la fotografía surgió en un cuarto oscuro de la base aérea Clark, ubicada en Filipinas, donde su padre fue destinado durante la Guerra de Vietnam. Por varios años continuó desarrollando sus habilidades fotográficas mientras trabajaba en diferentes lugares, incluyendo una temporada en un kibutz israelí en 1969,  lugar en el que participó en una excavación arqueológica en el templo del rey Salomón.

De vuelta a Estados Unidos en 1971, Leibovitz obtuvo una licenciatura en Bellas Artes en el Instituto de Arte de San Francisco. Posteriormente, trabajó junto al fotógrafo Ralph Gibson.

En ese periodo postuló para trabajar como fotógrafa autónoma en la entonces emergente revista Rolling Stone. El editor, Jann Wenner, quedó impresionado con su portafolio y le permitió ser parte del personal de su publicación. Dos años más tarde, Leibovitz fue ascendida a fotógrafa jefe, cargo que mantuvo diez años y en el que realizó ciento cuarenta y dos cubiertas.

En 1975 se le encargó la tarea de documentar la gira musical Rolling Stones Tour of the Americas ‘75 que el grupo británico The Rolling Stones realizó en Estados Unidos y Canadá. Dos años más tarde, las oficinas centrales de Rolling Stone se mudaron a Nueva York, por lo que Leibovitz abandonó la ciudad de San Francisco tras vivir diez años allí.  La llegada a Nueva York estuvo acompañada de diversos problemas, entre ellos, su adicción a las drogas, especialmente a la cocaína. (leer más…)

maravillosa!!!

más más… y más… y más

Su mirada es mágica. Su color, su composición…

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2 comentarios · Escribe aquí tu comentario

Super Helen

Super Helen dijo

Me encanta Annie Leivobitz!!!!

28 Agosto 2010 | 03:31 AM

martamiraalrededor

martamiraalrededor dijo

y a mí!! Es la pera! aunque también tiene una suertaza en poder trabajar con esas modelazas y esos diseñadores y ese lujazo y ese todo!! Qué gustoooooooo!!!

Un besito, querida Helen!

2 Septiembre 2010 | 02:34 AM

6 Agosto 2010

20 fotógrafos para quitarse el sombrero: 6 - Nan Goldin (5)
Seguimos…
1. RICHARD AVEDON
2. DAVID BAILEY
3. HENRI CARTIER-BRESSON
4. ROBERT FRANK
5. NAN GOLDIN
6. ANNIE LEIBOVITZ
7. JAY MAISEL
8. MARY ELLEN MARK
9. DUANE MICHALS
10. JAMES NACHTWEY
11. HELMUT NEWTON
12. ARNOLD NEWMAN
13. GORDON PARKS
14. IRVING PENN
15. PETE TURNER
16. EUGENE RICHARDS
17. SEBASTIÃO SALGADO
18. HERB RITTS
19. JERRY UELSMANN
20. ALBERT WATSON
____

Nan Goldin es una artista estadounidense, renovadora de la fotografía documental y narradora de la escena contracultural de Nueva York de los años 70 y 80.
En el año 2007 recibió el Premio internacional de la fundación Hasselblad por su obra.
Goldin nace en 1953 en una familia de origen judío en Washington D.C., pero crece entre varias familias adoptivas de distintas ciudades de Nueva Inglaterra, después de que su hermana se suicidara. Poco después, Goldin entra en una escuela experimental del área de Boston, la Satya Community School. Cuando tiene 15 años, tiene su primer contacto con la fotografía en la escuela.
En Nueva York, la fotógrafa encuentra el gran tema de su obra: la narración de la vida sentimental y sexual del ambiente punk. Goldin, de hecho, se califica a sí misma como «fotógrafa documentalista». Su obra narra historias muy crudas, generalmente.
Para emprender esa narración, Goldin trabaja con series de fotografías que cuentan desde dentro la vida suya y la de sus amigos: iniciación, plenitud y dependencia sexual, depresión, pobreza, amor, soledad, violencia, enfermedad… (leer más…)
Aquí podemos ver dos vídeos en los que la propia Nan Goldin habla sobre su trabajo:

6 Agosto 2010

20 fotógrafos para quitarse el sombrero: 6 - Nan Goldin (5)

Seguimos…

  • 1. RICHARD AVEDON
  • 2. DAVID BAILEY
  • 3. HENRI CARTIER-BRESSON
  • 4. ROBERT FRANK
  • 5. NAN GOLDIN
  • 6. ANNIE LEIBOVITZ
  • 7. JAY MAISEL
  • 8. MARY ELLEN MARK
  • 9. DUANE MICHALS
  • 10. JAMES NACHTWEY
  • 11. HELMUT NEWTON
  • 12. ARNOLD NEWMAN
  • 13. GORDON PARKS
  • 14. IRVING PENN
  • 15. PETE TURNER
  • 16. EUGENE RICHARDS
  • 17. SEBASTIÃO SALGADO
  • 18. HERB RITTS
  • 19. JERRY UELSMANN
  • 20. ALBERT WATSON

    ____

Nan Goldin es una artista estadounidense, renovadora de la fotografía documental y narradora de la escena contracultural de Nueva York de los años 70 y 80.

En el año 2007 recibió el Premio internacional de la fundación Hasselblad por su obra.

Goldin nace en 1953 en una familia de origen judío en Washington D.C., pero crece entre varias familias adoptivas de distintas ciudades de Nueva Inglaterra, después de que su hermana se suicidara. Poco después, Goldin entra en una escuela experimental del área de Boston, la Satya Community School. Cuando tiene 15 años, tiene su primer contacto con la fotografía en la escuela.

En Nueva York, la fotógrafa encuentra el gran tema de su obra: la narración de la vida sentimental y sexual del ambiente punk. Goldin, de hecho, se califica a sí misma como «fotógrafa documentalista». Su obra narra historias muy crudas, generalmente.

Para emprender esa narración, Goldin trabaja con series de fotografías que cuentan desde dentro la vida suya y la de sus amigos: iniciación, plenitud y dependencia sexual, depresión, pobreza, amor, soledad, violencia, enfermedad… (leer más…)

Aquí podemos ver dos vídeos en los que la propia Nan Goldin habla sobre su trabajo:

1 Agosto 2010

20 fotógrafos para quitarse el sombrero: 5 - Robert Frank (4)

Y continuamos con esta serie…

  • 1. RICHARD AVEDON
  • 2. DAVID BAILEY
  • 3. HENRI CARTIER-BRESSON
  • 4. ROBERT FRANK
  • 5. NAN GOLDIN
  • 6. ANNIE LEIBOVITZ
  • 7. JAY MAISEL
  • 8. MARY ELLEN MARK
  • 9. DUANE MICHALS
  • 10. JAMES NACHTWEY
  • 11. HELMUT NEWTON
  • 12. ARNOLD NEWMAN
  • 13. GORDON PARKS
  • 14. IRVING PENN
  • 15. PETE TURNER
  • 16. EUGENE RICHARDS
  • 17. SEBASTIÃO SALGADO
  • 18. HERB RITTS
  • 19. JERRY UELSMANN
  • 20. ALBERT WATSON

    ____

    Robert Frank, nacido el 9 de noviembre de 1924 en Zúrich, Suiza, es una importante figura estadounidense dentro del ámbito de la fotografía y el cine.

  • Su trabajo más destacado es el libro de fotografía The Americans, publicado en 1958, el cual está fuertemente influenciado por el periodo de la post-guerra, y el cual lo ha llevado a ser considerado como un Alexis de Tocqueville moderno por su visión escéptica y fresca de la sociedad estadounidense vista desde una perspectiva de extranjero.

  • Frank expandió sus intereses posteriormente al cine y experimentó con la composición y manipulación de fotografías. En el año 1996 recibió el Premio internacional de la fundación Hasselblad Premio PHotoEspaña Baume et Mercier 2009.

Frank nació en una pudiente familia judía en Suiza. Rosa, la madre de Frank, era de ascendencia judía, pero su padre Hermann, había sido apatriado después de la Primera Guerra Mundial y tuvo que pedir la ciudadanía suiza para Frank y su hermano mayor, Manfred. Aunque Frank y su familia permanecieron seguros en Suiza durante la Segunda Guerra Mundial, la amenaza nazi sin embargo afecto su comprensión sobre la opresión. Se inclinó por la fotografía en parte como una forma de escapar a la tradición de los negocios familiares, siendo entrenado por algunos fotógrafos y diseñadores gráficos antes de crear su primer libro de fotografías en 1946, 40 Fotos. Frank emigró a los Estados Unidos en el 1947, y obtuvo un empleo en la Ciudad de Nueva York como fotógrafo de moda para Harper’s Bazaar.

Poco después comenzó a viajar por América del Sur y Europa. Publicó dos libros más de fotografías tomadas en Perú, y volvió a los EE.UU. en 1950. Ese año fue uno trascendental para Frank, quien luego de haber conocido a Edward Steichen, participó en la presentación grupal 51 American Photographers en el Museo de Arte Moderno de Nueva York; además se casó con una compañera artista, Mary Lockspeiser, con la que tuvo dos hijos, Andrea y Pablo.

Aunque en un principio era optimista acerca de los Estados Unidos, su perspectiva cambió rápidamente cuando enfrentó el paso rápido de la vida estadounidense y lo que el veía como un énfasis excesivo en el dinero. Desde entonces comenzó a ver los Estados Unidos como un lugar a menudo triste y solitario, una perspectiva que se volvió evidente en sus posteriores trabajos fotográficos. Continuó viajando, moviendo su familia temporeramente a París. En 1953 retorno a Nueva York y continuó trabajando como periodista fotográfico independiente para revistas como McCall’sVogue, y Fortune.(leer más…)

Con este estupendo vídeo, nos podemos hacer una buena idea del trabajo de Robert Frank:

___________

16 Junio 2010

20 fotógrafos para quitarse el sombrero: 4 - Henri Cartier-Bresson (3)
Y continuamos…
1. RICHARD AVEDON
2. DAVID BAILEY
3. HENRI CARTIER-BRESSON
4. ROBERT FRANK
5. NAN GOLDIN
6. ANNIE LEIBOVITZ
7. JAY MAISEL
8. MARY ELLEN MARK
9. DUANE MICHALS
10. JAMES NACHTWEY
11. HELMUT NEWTON
12. ARNOLD NEWMAN
13. GORDON PARKS
14. IRVING PENN
15. PETE TURNER
16. EUGENE RICHARDS
17. SEBASTIÃO SALGADO
18. HERB RITTS
19. JERRY UELSMANN
20. ALBERT WATSON
____

Ya hablamos algo de él aquí, pero veremos algo más de este magnífico fotógrafo.
Henri Cartier-Bresson (22 de agosto de 1908 - 3 de agosto de 2004) fue un célebre fotógrafo francés considerado por muchos el padre del fotorreportaje.
Predicó siempre con la idea de atrapar el instante decisivo, versión traducida de sus “images à la sauvette”, que vienen a significar con más precisión “imágenes a hurtadillas”. Se trataba, pues, de poner la cabeza, el ojo y el corazón en el mismo momento en el que se desarrolla el clímax de una acción.
Nació en Chanteloup-les-vignes, Seine-et Marne, a las afueras de París, el 22 de agosto de 1908.

Pertenecía a una familia de la alta burguesía que le inculcó el gusto por el Arte, a sus padres sólo les interesaba la pintura, por este motivo fue educado en el Lycée Condorcet de París. La empresa familiar de bobinas de algodón le hacía un lugar en el acolchado bienestar de la burguesía, pero Henri decidió que no terminaría el secundario y que barrería hangares vacíos hasta convertirse en piloto. Después de terminar sus estudios de pintura en 1927-1928 a cargo del pintor cubista André Lhote (donde desarrolla el entrenamiento visual que serviría como la estructura para su arte como fotógrafo) en Montparnasse y de frecuentar los círculos surrealistas parisinos, con los que simpatizaba bastante, decide dedicarse a la fotografía. De André Lhote diría: “no era un buen pintor porque andaba escaso de sensibilidad”, pero reconoce que “fue él quien me enseñó geometría y sentido de la forma”. Su ojo se formó ahí, en la científica relación entre lo lleno y lo vacío, la luz y la sombra. “Pero es más importante la relación entre formas que la luz. El equilibrio de volúmenes lo es todo”. Más tarde, admite que estaba “marcado no por la pintura Surrealista, pero si por las concepciones de Andre Breton, (el cual) me hizo comprender el papel de la expresión espontánea y de la intuición y, sobre todo, la actitud de rebelarse” (Henri Cartier-Bresson: The Early Work).
Es fotógrafo a sus 23 años en Costa de Marfil (donde vivía de la caza), cuando recogería sus primeras instantáneas con una Krauss de segunda mano. Publicaría su reportaje el año siguiente (1931). En 1931 después de una larga enfermedad -unas fiebres- se interesó más en serio por la fotografía. La primera Leica (la cual quedaría asociada con su persona) la obtuvo en el 1933,  de regreso a Francia, en Marsella, con la que conseguía fotografiar al sujeto de una forma discreta sin distraerlo. Se inició así en una vida en blanco y negro -sin flash ni teleobjetivo-, que lo convirtió en el mejor testigo de hechos clave del siglo. Comienza a “sentir” la fotografía y luego en una entrevista, admite que después de su viaje por Africa, “… el aventurero en mi se sintió obligado a testificar, con un instrumento mas rápido que el pincel, las cicatrices del mundo”.



A continuación viaja a lo largo de la Europa Oriental: Alemania, Polonia, Austria, Checoslovaquia y Hungría. En 1932, viaja a Francia, España e Italia. Aunque seguramente menos exótica que su experiencia en África , “el vuelo de Bresson desde la convención y el decoro lo lanzó en el mundo del desposeído, el marginal, y el ilícito que él abrazó como propio”. (Henri Cartier-Bresson: The Early Work).
Su primera exposición la inauguró a mediados de los años 30 en México, después expuso en 1932 en la Galería Julien Levy de Nueva York, además ese mismo año publicó también su primer reportaje en la revista Vu.
En 1934 viaja a México junto a un equipo de fotógrafos comprometidos en un proyecto etnográfico patrocinado por el gobierno de este país. Debido a problemas burocráticos el proyecto fracasa, sin embargo Bresson decide prolongar su estadía en este país por un año, continuando así con su “captura” de gente y lugares marginales de la sociedad. Expone sus fotografías en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México.
De allí se muda a la ciudad de New York, en 1935, y expone junto a Walker Evans. Estando en esta ciudad comienza a interesarse por el cine, de la mano de Paul Strand, y durante este período realiza pocas fotografías.
Hablando de su técnica, jamás recorta los negativos, se positivan completos, sin encuadrar ni cortar nada. Es un fotógrafo que sabe componer con rigor, observando los gestos, las yuxtaposiciones de elementos y dispara en el breve instante en que todo ello crea un conjunto significativo, lo que él define como el momento decisivo.
Estudió cine en Nueva York, fue asistente de dirección del cineasta Jean Renoir y en 1937 filmó su propio mediometraje, Retorno a la vida, sobre hospitales de campaña republicanos en la Guerra Civil Española.
En 1937 empezó a trabajar para varias revistas y periódicos (France Soir) como reportero gráfico. Fue llamado a filas en 1940, para la Unidad de cine y fotografía del ejército francés, durante la II Guerra Mundial le detuvieron los alemanes durante 35 meses. Después de tres intentos escapó de la prisión de Wuttemberg dirigiéndose a París, allí trabajó para la Resistencia en 1943. Organizó la filmación y fotografió la Ocupación y la Liberación de París. En 1945 dirigió, para la oficina de información bélica de Estado Unidos, el documental Le retour (El retorno). Volvió a Estados Unidos en 1946, donde conoció y fotografió a numerosos escritores y artistas como William Faulkner, Alfred Stieglitz o Saul Steinberg. Destacar como anécdota que en este año asistió a la exposición que el MOMA (Museo de Arte Moderno de Nueva York) le había organizado después de creerle muerto en la guerra.
En 1947, él cofunda junto a Robert Capa (del que era muy amigo), Bill Vandivert, David Seymour y George Rodger la agencia Magnum -la primera agencia de fotos cooperativa- y a través de sus viajes por el mundo definiría la fotografía humanista: visitaría así pues África, México, y los Estados Unidos. Magnum, bautizada con el nombre de los botellones de champagne que bendecían las reuniones, fue la llave a los reportajes fotográficos que Cartier-Bresson elevó a arte. “Nos lanzamos a la idea de Magnum para poder hacer lo que queríamos, para trabajar en lo que creíamos y no depender de que un periódico o una revista nos encargara una cosa. No queríamos trabajar por encargo y pensamos que si nos organizábamos podríamos tomar nosotros la iniciativa” (Henri Cartier-Bresson).

Bajo la égida de la agencia, Bresson comenzó a viajar y enfocó su trabajo en la fotografía de reportaje. Viaja por el Oriente: India, Birmania, Pakistán, China e Indonesia entre 1948 y 1950. “Mi guía no paraba de reírse, no comprendía que hiciera fotos a todo lo que yo veía. Probablemente, él, entonces, no sabía que gracias a la fotografía yo he aprendido a vivir, porque ella me ha enseñado respeto y tolerancia” (Henri Cartier-Bresson). Durante veinte años se recorrió todo el mundo siendo considerado uno de los reporteros más importantes de su época. Su primer libro fue publicado en 1952 titulado Images à la Sauvette.
En 1955, por invitación expresa del Museo de Louvre de París, fue el primer fotógrafo que expuso su obra allí. Abandonó Mágnum en 1966 volviendo al dibujo y la pintura (estaba formado en la Escuela nacional superior de Bellas Artes), aunque siguió con la fotografía. Bresson atribuye su encuentro con la pintura a su tío, o “padremítico”. Aún recuerda su inicio en el mundo del arte cuando lo llevaron al estudio de su tío contando tan solo con 5 años, donde comenzó a “impregnarse” de los lienzos.

Siempre arisco, en 1969 se dio el lujo de asegurar: “Pude estar años sin sacar una fotografía. Todavía no estoy seguro de ser un fotógrafo”. Después de infinitos coqueteos con la pintura, en 1975 colgó la Leica para dedicarse a dibujar. “La fotografía es un dibujo acelerado”, definió. Si con la cámara -fotográfica o de cine- siempre ha querido responder de manera instintiva a los estímulos de la realidad, con el lápiz lo hace con calma, sin dejarse sorprender por el azar ni por la idealización. Viejo admirador de los surrealistas, Cartier-Bresson no dibuja nunca de memoria o imaginando, quiere tener el modelo ante sus ojos, desconfía de la ficción. Es un buen ejemplo del ideal de reportero gráfico definido por Baudelaire: “El observador es un príncipe que en todas partes disfruta de su incógnito”. Cartier-Bresson pasaba horas en el Musée de l´Homme, en París, dibujando esqueletos de dinosaurios y rogando no ser descubierto. Como aquella vez que salía de una exposición suya en Nueva York y la lluvia motivó que se largara a hacer fotos. “¡Miren a ese tipo! -gritó un señor-. ¡Otro más que se cree Cartier-Bresson!” “Es muy agradable ser famoso pero sólo a condición de seguir siendo desconocido”, adoraba repetir.

A lo largo de su carrera, tuvo la oportunidad de retratar a personajes de la talla de Pablo Picasso, Henri Matisse, Marie Curie, Édith Piaf, Fidel Castro y Ernesto Guevara. También cubrió importantes eventos, como la muerte de Gandhi, la Guerra Civil Española, donde filmó el documental sobre el bando republicano “Victorie de la vie”, la IIGM, en la que estuvo en la Unidad de Cine y Fotografía del ejército galo o la entrada triunfal de Mao Zedong a Pekín y también documentó la construcción del Muro de Berlín. Cartier-Bresson fue el primer periodista occidental que pudo visitar la Unión Soviética tras la muerte de Stalin.
Jorge Luis Borges lo nominó para una distinción “Porque usted ve y yo ya no veo”. Reacio a las loas públicas, Cartier-Bresson recibió el premio de manos de María Kodama en el hotelito siciliano donde sus padres pasaron la noche de bodas.
Para él:

 ”La fotografía es, en un mismo instante, el reconocimiento simultáneo de la significación de un hecho y de la organización rigurosa de las formas, percibidas visualmente, que expresan y significan ese hecho”.


Gracias a las exposiciones del Centro Internacional de Fotografía, a partir del 1979 sus imágenes han recorrido todo el mundo. Algunas de sus colecciones son: The Decisive Moment (1952), The World of Henri Cartier-Bresson (1968), Henri Cartier-Bresson (1980), Henri Cartier-Bresson: The Early Work publicado por Peter Glassi en Nueva York (1987).

En el año 1983 recibió el Premio internacional de la Fundación Hasselblad.
Junto a su última esposa, la también fotógrafa Martine Franck, creó en el año 2000 una fundación (HCB) encargada de reunir sus mejores obras, situada en el barrio parisino de Montparnasse; fundación que asegura la buena conservación de su obra.

Un año antes de su muerte, en 2003, la Biblioteca Nacional de Francia le dedicaría una exposición retrospectiva. También en 2003, Heinz Bütler dirigió la película suiza Henri Cartier-Bresson - Biographie eines Blicks, documental biográfico interpretado por el propio Cartier-Bresson.
Muere a los 95 años de edad el día 3 de Agosto del 2004 en su residencia “Le Claux” al norte de Marsella-Francia.
Para algunos, Cartier-Bresson es una figura mítica en la fotografía del siglo XX. Uno de sus mejores biógrafos (Pierre Assouline) lo apelaría como «el ojo del siglo». Poseía una capacidad única para capturar el momento efímero en que la importancia del tema se da a conocer en la forma, el contenido y la expresión.

"For me the camera is a sketch book, an instrument of intuition and spontaneity, the master of the instant which, in visual terms, questions and decides simultaneously. In order to "give a meaning" to the world, one has to feel involved in what one frames through the viewfinder. This attitude requires concentration, discipline of mind, sensitivity, and a sense of geometry. It is by economy of means that one arrives at simplicity of expression.
To take a photograph is to hold one’s breath when all faculties converge in a face of fleeing reality. It is at that moment that mastering an image becomes a great physical and intellectual joy.
To take a photograph means to recognize - simultaneously and within a fraction of a second- both the fact itself and the rigorous organization of visually perceived forms that give it meaning.
It is putting one’s head, one’s eye, and one’s heart on the same axis.”
- Henri Cartier-Bresson

"Henri Cartier-Bresson fue un faro en blanco y negro que iluminó la fotografía testimonial. Millones de miradas se posaron, a lo largo de décadas, sobre la serenidad que sus imágenes transmiten. Sus libros, verdaderas biblias para los fotógrafos de prensa, tienen la virtud de no tener final. Resulta imposible que al volver a hojearlos las imágenes sigan allí, quietas, como si nada hubiera pasado. Cada lectura de sus fotos es distinta. Porque mirarlas modifica nuestra mirada. Fue el indiscutido maestro del momento decisivo. Ese momento en que las personas y las cosas parecen acomodarse para dar lugar a escenas potentes y perdurables. Ante los ojos de Cartier-Bresson, la realidad parecía prolongarse por una fracción de segundo de más, para que su Leica atesorara momentos cuyo destino, inevitable, era evaporarse.
Para los fotógrafos de prensa era el referente máximo. El ídolo inalcanzable. El genio que jugaba a las escondidas tras su pequeña cámara. No habrá ninguno igual, nadie con su sutileza. Se permitió, en su genialidad, ser férreo con su técnica. No usaba el flash, decía que por respeto a la luz. Y no reencuadraba sus fotos.
Las mostraba, sin artificios, en crudo, tal cual él las había visto por el visor de su cámara. Trascendió con la fotografía, lo que es difícil en un mundo que tiende a seguir menospreciándola como valor artístico. Hace años se había recluido en su otra pasión: el dibujo. Según él, ya había fotografiado todo lo que se había propuesto. En su vejez resolvió crear su propia realidad y no capturar la que fluía. Se ha muerto una de las mejores miradas del siglo XX. Esa es la mala noticia. La buena es que mañana al mirar sus fotos volveremos a sorprendernos.” (“La mirada” de Eduardo Longoni, fotógrafo)
———————

Un libro recomendado. "El siglo moderno"
El libro más importante de Henri Cartier-Bresson
Henri Cartier-Bresson (1908-2004) es una de las figuras más importantes e influyentes de la historia de la fotografía. Su obra se considera excepcional tanto por el área geográfica que abarca como por la visión histórica que ofrece de las profundas transformaciones sociales, políticas y culturales del siglo XX.
El Siglo Moderno ofrece más de 300 fotografías del autor. Muchas de ellas se hicieron famosas tras ser publicadas, pero otras son casi desconocidas. En ambos casos nos ofrecen una perspectiva sobre el alcance de sus imágenes, desde sus innovaciones surrealistas de principios de los años treinta hasta su carrera como periodista gráfico de primera línea tras la Segunda Guerra Mundial.
Peter Galassi, autor del libro y comisario jefe del Departamento de Fotografía del MoMA, es el responsable de la gran retrospectiva que el museo expone sobre el autor, de la que nace esta obra.
(fuente 2)
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20 fotógrafos para quitarse el sombrero: 5 - Robert Frank (4)

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4 comentarios · Escribe aquí tu comentario



mario dijo
Me encanta!
17 Junio 2010 | 12:00 AM




martamiraalrededor dijo
Tenía cosas estupendas, sip!
Un besote!!
;)
Marta
21 Junio 2010 | 01:12 PM



erika dijo
Genial!!!!!!!!!!!!!!!!, me encantan tus post de los 20 fotografos. Por favor terminalos todos!!!!!. Muy buena información. Porfa terminalos todos!.
27 Agosto 2010 | 12:49 AM




martamiraalrededor dijo
lo haré.
Saludos, Erika!
:)
2 Septiembre 2010 | 02:33 AM

16 Junio 2010

20 fotógrafos para quitarse el sombrero: 4 - Henri Cartier-Bresson (3)

Y continuamos…

  • 1. RICHARD AVEDON
  • 2. DAVID BAILEY
  • 3. HENRI CARTIER-BRESSON
  • 4. ROBERT FRANK
  • 5. NAN GOLDIN
  • 6. ANNIE LEIBOVITZ
  • 7. JAY MAISEL
  • 8. MARY ELLEN MARK
  • 9. DUANE MICHALS
  • 10. JAMES NACHTWEY
  • 11. HELMUT NEWTON
  • 12. ARNOLD NEWMAN
  • 13. GORDON PARKS
  • 14. IRVING PENN
  • 15. PETE TURNER
  • 16. EUGENE RICHARDS
  • 17. SEBASTIÃO SALGADO
  • 18. HERB RITTS
  • 19. JERRY UELSMANN
  • 20. ALBERT WATSON

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Ya hablamos algo de él aquí, pero veremos algo más de este magnífico fotógrafo.

Henri Cartier-Bresson (22 de agosto de 1908 - 3 de agosto de 2004) fue un célebre fotógrafo francés considerado por muchos el padre del fotorreportaje.

Predicó siempre con la idea de atrapar el instante decisivo, versión traducida de sus “images à la sauvette”, que vienen a significar con más precisión “imágenes a hurtadillas”. Se trataba, pues, de poner la cabeza, el ojo y el corazón en el mismo momento en el que se desarrolla el clímax de una acción.

Nació en Chanteloup-les-vignes, Seine-et Marne, a las afueras de París, el 22 de agosto de 1908.

Pertenecía a una familia de la alta burguesía que le inculcó el gusto por el Arte, a sus padres sólo les interesaba la pintura, por este motivo fue educado en el Lycée Condorcet de París. La empresa familiar de bobinas de algodón le hacía un lugar en el acolchado bienestar de la burguesía, pero Henri decidió que no terminaría el secundario y que barrería hangares vacíos hasta convertirse en piloto. Después de terminar sus estudios de pintura en 1927-1928 a cargo del pintor cubista André Lhote (donde desarrolla el entrenamiento visual que serviría como la estructura para su arte como fotógrafo) en Montparnasse y de frecuentar los círculos surrealistas parisinos, con los que simpatizaba bastante, decide dedicarse a la fotografía. De André Lhote diría: “no era un buen pintor porque andaba escaso de sensibilidad”, pero reconoce que “fue él quien me enseñó geometría y sentido de la forma”. Su ojo se formó ahí, en la científica relación entre lo lleno y lo vacío, la luz y la sombra. “Pero es más importante la relación entre formas que la luz. El equilibrio de volúmenes lo es todo”. Más tarde, admite que estaba “marcado no por la pintura Surrealista, pero si por las concepciones de Andre Breton, (el cual) me hizo comprender el papel de la expresión espontánea y de la intuición y, sobre todo, la actitud de rebelarse” (Henri Cartier-Bresson: The Early Work).

Es fotógrafo a sus 23 años en Costa de Marfil (donde vivía de la caza), cuando recogería sus primeras instantáneas con una Krauss de segunda mano. Publicaría su reportaje el año siguiente (1931). En 1931 después de una larga enfermedad -unas fiebres- se interesó más en serio por la fotografía. La primera Leica (la cual quedaría asociada con su persona) la obtuvo en el 1933,  de regreso a Francia, en Marsella, con la que conseguía fotografiar al sujeto de una forma discreta sin distraerlo. Se inició así en una vida en blanco y negro -sin flash ni teleobjetivo-, que lo convirtió en el mejor testigo de hechos clave del siglo. Comienza a “sentir” la fotografía y luego en una entrevista, admite que después de su viaje por Africa, “… el aventurero en mi se sintió obligado a testificar, con un instrumento mas rápido que el pincel, las cicatrices del mundo”.

A continuación viaja a lo largo de la Europa Oriental: Alemania, Polonia, Austria, Checoslovaquia y Hungría. En 1932, viaja a Francia, España e Italia. Aunque seguramente menos exótica que su experiencia en África , “el vuelo de Bresson desde la convención y el decoro lo lanzó en el mundo del desposeído, el marginal, y el ilícito que él abrazó como propio”. (Henri Cartier-Bresson: The Early Work).

Su primera exposición la inauguró a mediados de los años 30 en México, después expuso en 1932 en la Galería Julien Levy de Nueva York, además ese mismo año publicó también su primer reportaje en la revista Vu.

En 1934 viaja a México junto a un equipo de fotógrafos comprometidos en un proyecto etnográfico patrocinado por el gobierno de este país. Debido a problemas burocráticos el proyecto fracasa, sin embargo Bresson decide prolongar su estadía en este país por un año, continuando así con su “captura” de gente y lugares marginales de la sociedad. Expone sus fotografías en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México.


De allí se muda a la ciudad de New York, en 1935, y expone junto a Walker Evans. Estando en esta ciudad comienza a interesarse por el cine, de la mano de Paul Strand, y durante este período realiza pocas fotografías.

Hablando de su técnica, jamás recorta los negativos, se positivan completos, sin encuadrar ni cortar nada. Es un fotógrafo que sabe componer con rigor, observando los gestos, las yuxtaposiciones de elementos y dispara en el breve instante en que todo ello crea un conjunto significativo, lo que él define como el momento decisivo.

Estudió cine en Nueva York, fue asistente de dirección del cineasta Jean Renoir y en 1937 filmó su propio mediometraje, Retorno a la vida, sobre hospitales de campaña republicanos en la Guerra Civil Española.

En 1937 empezó a trabajar para varias revistas y periódicos (France Soir) como reportero gráfico. Fue llamado a filas en 1940, para la Unidad de cine y fotografía del ejército francés, durante la II Guerra Mundial le detuvieron los alemanes durante 35 meses. Después de tres intentos escapó de la prisión de Wuttemberg dirigiéndose a París, allí trabajó para la Resistencia en 1943. Organizó la filmación y fotografió la Ocupación y la Liberación de París. En 1945 dirigió, para la oficina de información bélica de Estado Unidos, el documental Le retour (El retorno). Volvió a Estados Unidos en 1946, donde conoció y fotografió a numerosos escritores y artistas como William Faulkner, Alfred Stieglitz o Saul Steinberg. Destacar como anécdota que en este año asistió a la exposición que el MOMA (Museo de Arte Moderno de Nueva York) le había organizado después de creerle muerto en la guerra.

En 1947, él cofunda junto a Robert Capa (del que era muy amigo), Bill Vandivert, David Seymour y George Rodger la agencia Magnum -la primera agencia de fotos cooperativa- y a través de sus viajes por el mundo definiría la fotografía humanista: visitaría así pues África, México, y los Estados Unidos. Magnum, bautizada con el nombre de los botellones de champagne que bendecían las reuniones, fue la llave a los reportajes fotográficos que Cartier-Bresson elevó a arte. “Nos lanzamos a la idea de Magnum para poder hacer lo que queríamos, para trabajar en lo que creíamos y no depender de que un periódico o una revista nos encargara una cosa. No queríamos trabajar por encargo y pensamos que si nos organizábamos podríamos tomar nosotros la iniciativa” (Henri Cartier-Bresson).

Bajo la égida de la agencia, Bresson comenzó a viajar y enfocó su trabajo en la fotografía de reportaje. Viaja por el Oriente: India, Birmania, Pakistán, China e Indonesia entre 1948 y 1950. “Mi guía no paraba de reírse, no comprendía que hiciera fotos a todo lo que yo veía. Probablemente, él, entonces, no sabía que gracias a la fotografía yo he aprendido a vivir, porque ella me ha enseñado respeto y tolerancia” (Henri Cartier-Bresson). Durante veinte años se recorrió todo el mundo siendo considerado uno de los reporteros más importantes de su época. Su primer libro fue publicado en 1952 titulado Images à la Sauvette.

En 1955, por invitación expresa del Museo de Louvre de París, fue el primer fotógrafo que expuso su obra allí. Abandonó Mágnum en 1966 volviendo al dibujo y la pintura (estaba formado en la Escuela nacional superior de Bellas Artes), aunque siguió con la fotografía. Bresson atribuye su encuentro con la pintura a su tío, o “padremítico”. Aún recuerda su inicio en el mundo del arte cuando lo llevaron al estudio de su tío contando tan solo con 5 años, donde comenzó a “impregnarse” de los lienzos.

Siempre arisco, en 1969 se dio el lujo de asegurar: “Pude estar años sin sacar una fotografía. Todavía no estoy seguro de ser un fotógrafo”. Después de infinitos coqueteos con la pintura, en 1975 colgó la Leica para dedicarse a dibujar. “La fotografía es un dibujo acelerado”, definió. Si con la cámara -fotográfica o de cine- siempre ha querido responder de manera instintiva a los estímulos de la realidad, con el lápiz lo hace con calma, sin dejarse sorprender por el azar ni por la idealización. Viejo admirador de los surrealistas, Cartier-Bresson no dibuja nunca de memoria o imaginando, quiere tener el modelo ante sus ojos, desconfía de la ficción. Es un buen ejemplo del ideal de reportero gráfico definido por Baudelaire: “El observador es un príncipe que en todas partes disfruta de su incógnito”. Cartier-Bresson pasaba horas en el Musée de l´Homme, en París, dibujando esqueletos de dinosaurios y rogando no ser descubierto. Como aquella vez que salía de una exposición suya en Nueva York y la lluvia motivó que se largara a hacer fotos. “¡Miren a ese tipo! -gritó un señor-. ¡Otro más que se cree Cartier-Bresson!” “Es muy agradable ser famoso pero sólo a condición de seguir siendo desconocido”, adoraba repetir.

A lo largo de su carrera, tuvo la oportunidad de retratar a personajes de la talla de Pablo Picasso, Henri Matisse, Marie Curie, Édith Piaf, Fidel Castro y Ernesto Guevara. También cubrió importantes eventos, como la muerte de Gandhi, la Guerra Civil Española, donde filmó el documental sobre el bando republicano “Victorie de la vie”, la IIGM, en la que estuvo en la Unidad de Cine y Fotografía del ejército galo o la entrada triunfal de Mao Zedong a Pekín y también documentó la construcción del Muro de Berlín. Cartier-Bresson fue el primer periodista occidental que pudo visitar la Unión Soviética tras la muerte de Stalin.

Jorge Luis Borges lo nominó para una distinción “Porque usted ve y yo ya no veo”. Reacio a las loas públicas, Cartier-Bresson recibió el premio de manos de María Kodama en el hotelito siciliano donde sus padres pasaron la noche de bodas.

Para él:

 ”La fotografía es, en un mismo instante, el reconocimiento simultáneo de la significación de un hecho y de la organización rigurosa de las formas, percibidas visualmente, que expresan y significan ese hecho”.

Gracias a las exposiciones del Centro Internacional de Fotografía, a partir del 1979 sus imágenes han recorrido todo el mundo. Algunas de sus colecciones son: The Decisive Moment (1952), The World of Henri Cartier-Bresson (1968), Henri Cartier-Bresson (1980), Henri Cartier-Bresson: The Early Work publicado por Peter Glassi en Nueva York (1987).

En el año 1983 recibió el Premio internacional de la Fundación Hasselblad.

Junto a su última esposa, la también fotógrafa Martine Franck, creó en el año 2000 una fundación (HCB) encargada de reunir sus mejores obras, situada en el barrio parisino de Montparnasse; fundación que asegura la buena conservación de su obra.

Un año antes de su muerte, en 2003, la Biblioteca Nacional de Francia le dedicaría una exposición retrospectiva. También en 2003, Heinz Bütler dirigió la película suiza Henri Cartier-Bresson - Biographie eines Blicks, documental biográfico interpretado por el propio Cartier-Bresson.

Muere a los 95 años de edad el día 3 de Agosto del 2004 en su residencia “Le Claux” al norte de Marsella-Francia.

Para algunos, Cartier-Bresson es una figura mítica en la fotografía del siglo XX. Uno de sus mejores biógrafos (Pierre Assouline) lo apelaría como «el ojo del siglo». Poseía una capacidad única para capturar el momento efímero en que la importancia del tema se da a conocer en la forma, el contenido y la expresión.

"For me the camera is a sketch book, an instrument of intuition and spontaneity, the master of the instant which, in visual terms, questions and decides simultaneously. In order to "give a meaning" to the world, one has to feel involved in what one frames through the viewfinder. This attitude requires concentration, discipline of mind, sensitivity, and a sense of geometry. It is by economy of means that one arrives at simplicity of expression.

To take a photograph is to hold one’s breath when all faculties converge in a face of fleeing reality. It is at that moment that mastering an image becomes a great physical and intellectual joy.

To take a photograph means to recognize - simultaneously and within a fraction of a second- both the fact itself and the rigorous organization of visually perceived forms that give it meaning.

It is putting one’s head, one’s eye, and one’s heart on the same axis.”

- Henri Cartier-Bresson

"Henri Cartier-Bresson fue un faro en blanco y negro que iluminó la fotografía testimonial. Millones de miradas se posaron, a lo largo de décadas, sobre la serenidad que sus imágenes transmiten. Sus libros, verdaderas biblias para los fotógrafos de prensa, tienen la virtud de no tener final. Resulta imposible que al volver a hojearlos las imágenes sigan allí, quietas, como si nada hubiera pasado. Cada lectura de sus fotos es distinta. Porque mirarlas modifica nuestra mirada. Fue el indiscutido maestro del momento decisivo. Ese momento en que las personas y las cosas parecen acomodarse para dar lugar a escenas potentes y perdurables. Ante los ojos de Cartier-Bresson, la realidad parecía prolongarse por una fracción de segundo de más, para que su Leica atesorara momentos cuyo destino, inevitable, era evaporarse.

Para los fotógrafos de prensa era el referente máximo. El ídolo inalcanzable. El genio que jugaba a las escondidas tras su pequeña cámara. No habrá ninguno igual, nadie con su sutileza. Se permitió, en su genialidad, ser férreo con su técnica. No usaba el flash, decía que por respeto a la luz. Y no reencuadraba sus fotos.

Las mostraba, sin artificios, en crudo, tal cual él las había visto por el visor de su cámara. Trascendió con la fotografía, lo que es difícil en un mundo que tiende a seguir menospreciándola como valor artístico. Hace años se había recluido en su otra pasión: el dibujo. Según él, ya había fotografiado todo lo que se había propuesto. En su vejez resolvió crear su propia realidad y no capturar la que fluía. Se ha muerto una de las mejores miradas del siglo XX. Esa es la mala noticia. La buena es que mañana al mirar sus fotos volveremos a sorprendernos.” (“La mirada” de Eduardo Longoni, fotógrafo)

———————

Un libro recomendado. "El siglo moderno"

El libro más importante de Henri Cartier-Bresson

Henri Cartier-Bresson (1908-2004) es una de las figuras más importantes e influyentes de la historia de la fotografía. Su obra se considera excepcional tanto por el área geográfica que abarca como por la visión histórica que ofrece de las profundas transformaciones sociales, políticas y culturales del siglo XX.

El Siglo Moderno ofrece más de 300 fotografías del autor. Muchas de ellas se hicieron famosas tras ser publicadas, pero otras son casi desconocidas. En ambos casos nos ofrecen una perspectiva sobre el alcance de sus imágenes, desde sus innovaciones surrealistas de principios de los años treinta hasta su carrera como periodista gráfico de primera línea tras la Segunda Guerra Mundial.

Peter Galassi, autor del libro y comisario jefe del Departamento de Fotografía del MoMA, es el responsable de la gran retrospectiva que el museo expone sobre el autor, de la que nace esta obra.

(fuente 2)

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mario

mario dijo

Me encanta!

17 Junio 2010 | 12:00 AM

martamiraalrededor

martamiraalrededor dijo

Tenía cosas estupendas, sip!

Un besote!!

;)

Marta

21 Junio 2010 | 01:12 PM

erika

erika dijo

Genial!!!!!!!!!!!!!!!!, me encantan tus post de los 20 fotografos. Por favor terminalos todos!!!!!. Muy buena información. Porfa terminalos todos!.

27 Agosto 2010 | 12:49 AM

martamiraalrededor

martamiraalrededor dijo

lo haré.

Saludos, Erika!

:)

2 Septiembre 2010 | 02:33 AM

29 Marzo 2010

20 fotógrafos para quitarse el sombrero: 3 - David Bailey (2)

Y continuamos…

  • 1. RICHARD AVEDON
  • 2. DAVID BAILEY
  • 3. HENRI CARTIER-BRESSON
  • 4. ROBERT FRANK
  • 5. NAN GOLDIN
  • 6. ANNIE LEIBOVITZ
  • 7. JAY MAISEL
  • 8. MARY ELLEN MARK
  • 9. DUANE MICHALS
  • 10. JAMES NACHTWEY
  • 11. HELMUT NEWTON
  • 12. ARNOLD NEWMAN
  • 13. GORDON PARKS
  • 14. IRVING PENN
  • 15. PETE TURNER
  • 16. EUGENE RICHARDS
  • 17. SEBASTIÃO SALGADO
  • 18. HERB RITTS
  • 19. JERRY UELSMANN
  • 20. ALBERT WATSON

____

Royston David Bailey nacido el 2 de enero de 1938 (Leytonstone, Londres) es un célebre fotógrafo Inglés. Su padre, Herbert, era cortador de sastre. Una no diagnosticada dislexia hizo que sus estudios fueran difíciles. Entonces, Bailey desarrolló un amor por la historia natural, y esto lo llevó a la fotografía. A los quince años abandona los estudios y se mete a repartidor de correos. Es por esta época cuando se compra su primera cámara. Una Rolleiflex. Se formó en la fotografía como autodidácta, antes de servir en la Fuerza Aérea Real de Malasia en 1957.

En 1959 se convirtió en asistente de fotografía en el estudio de John French, antes de ser contratado como fotógrafo de moda de Vogue la revista en 1960. También realizó una gran cantidad de trabajos independientes.

Junto con Terence Donovan y Brian Duffy, ayudó a crear la “Swinging London' de la década de 1960: una cultura de la alta costura y celebridades chic. Los tres fotógrafos se codeaban con actores, músicos y demás persobajes, y así se encontraron elevados al estatus de celebridad. Juntos, ellos fueron los primeros fotógrafos de celebridades reales. La película Blowup (1966), dirigida por Michelangelo Antonioni, Se refiere a la labor y los hábitos sexuales de un fotógrafo de moda de Londres, Bailey.

De la supermodelo Jean Shrimpton, Bailey dijo: 

" Ella era la magia y la cámara también la quería. En cierto modo, era la modelo más barata del mundo, sólo era necesario disparar medio rollo de película y ya lo tenías. Tenía el don de situarse en el lugar correcto, ella sabía dónde estaba la luz, no era más que natural".

Fotografía de moda, covers para álbumes de música, publicidad y documentales han sido -y siguen siéndolo-sus principales trabajos. 

Bailey ha estado casado cuatro veces: en 1960 con Rosemary Bramble; en 1965 con la actriz Catherine Deneuve (divorciados en 1972); en 1975 con la modeloMarie Helvin, y en 1986 con la modelo Catherine Dyer,  con quien sigue casado. Amante del arte, adora a Picasso.

Una máxima suya es: "Yo siempre voy por la simplicidad".

———-

"El fotógrafo británico David Bailey afirma "adorar" a las mujeres, como demuestra, entre otras cosas, el hecho de que vaya ya por su cuarto matrimonio, pero prefiere a los hombres como modelos cuando se trata de fotografiar desnudos.

"El cuerpo del varón es más hermoso, porque tiene una línea más elegante", explica Bailey, que ha retratado a todo tipo de personajes famosos, desde los Beatles, Peter Sellers o Brigitte Bardot, hasta Lady Di o el pintor Francis Bacon.

En declaraciones al Daily Telegraph, el famoso fotógrafo británico, de 72 años, afirma que por dos millones de libras fotografiaría “aunque fuera a Stalin o a Hitler” porque, dice, no es “un filósofo moral”.

"Se me acusa de ser comercial, pero no lo soy más que el 90 por ciento de los pintores renacentistas, que sólo hacían publicidad para el Vaticano", explica Bailey, que ha recibido ahora el encargo de fotografiar al líder conservador británico David Cameron para la edición americana de la revista "Vanity Fair".

Preguntado si le gustaría fotografiar a los dos nietos de la reina Isabel II, los príncipes Guillermo y Enrique, Bailey responde: “No son precisamente Bob Dylan. Las personas tienen que haber hecho algo” para que él las fotografíe.

Bailey, que estuvo casado con la bella actriz Catherine Deneuve y a quien se le atribuyen muchos otros romances, critica lo que califica de “adicción al sexo actual”.

"¿Se trata sólo de acostarse con mucha gente? -comenta en tono crítico- Creo que a Tiger Woods le gustaba eso. Y, a decir verdad, creo que lo hacen ahora también muchas chicas, tal vez incluso más que los hombres. En los años sesenta, uno tardaba de tres a seis meses en llevarse a una muchacha a la cama, ahora sólo se tardan de tres a seis minutos", dice." (fuente)

"David Bailey, famoso fotógrafo británico, ha expresado su hartazgo del tipo de modelos que se busca hoy, que parecen androides o maniquíes de escaparate, según declara en una entrevista en The Times.

"Las retocan tanto que no parecen reales. No son interesantes. Y es imposible también saber quién es el autor de la fotografía. Antes sí era posible. Las fotos tenían personalidad", criticó Bailey.

"Antes se podía distinguir a una mujer fotografiada por Helmut, Newton, Cecil, Beaton o por quien fuera. Una mujer Bailey tiene un aire muy distintivo. Es una mujer de carne y hueso, una mujer sexual", afirmó.

Bailey, de 71 años, que inspiró al cineasta italiano Michelangelo Antonioni el personaje que interpretó David Hemmings en la película “Blow up” ,1966, no ha dejado, sin embargo, de trabajar desde entonces.

Sigue colaborando con el grupo editorial Condé Nast, sobre todo para las revistas Vogue, Vanity Fair y GQ, y ha publicado cuatro libros en los tres últimos años, a los que se sumarán pronto otros seis.

El fotógrafo reconoce, por otro lado, que los dos primeros fotógrafos de moda o directores de arte que le contrataron se fijaron en él porque eran homosexuales.

"Si no fuese por ellos, yo seguiría hoy conduciendo un autobús", afirma." (fuente)

A continuación muestro cierto paralelismo -temático y algo formal- que he observado entre Bailey (derecha) y Avedon (izquierda), y podemos observar los diferentes estilos:

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27 Marzo 2010

20 fotógrafos para quitarse el sombrero: 2 - Richard Avedon (1)

Seguimos con esta serie:

  • 1. RICHARD AVEDON
  • 2. DAVID BAILEY
  • 3. HENRI CARTIER-BRESSON
  • 4. ROBERT FRANK
  • 5. NAN GOLDIN
  • 6. ANNIE LEIBOVITZ
  • 7. JAY MAISEL
  • 8. MARY ELLEN MARK
  • 9. DUANE MICHALS
  • 10. JAMES NACHTWEY
  • 11. HELMUT NEWTON
  • 12. ARNOLD NEWMAN
  • 13. GORDON PARKS
  • 14. IRVING PENN
  • 15. PETE TURNER
  • 16. EUGENE RICHARDS
  • 17. SEBASTIÃO SALGADO
  • 18. HERB RITTS
  • 19. JERRY UELSMANN
  • 20. ALBERT WATSON

_____

Richard Avedon (Nueva York, 15 de mayo de 1923 - San Antonio, Texas, 1 de octubre de 2004) fue un fotógrafo estadounidense.

Reputado fotógrafo de modas y gran retratista, comenzó su carrera profesional en los años 1950 realizando espléndidos trabajos de moda para la revista Harper’s Bazaar, donde acabó convirtiéndose en Jefe de Fotografía. Posteriormente, habría de colaborar igualmente con otras revistas comoVogueLife y Look. Sin duda alguna, fue el gran fotógrafo de la moda durante los años 1960 y 70. En sus trabajos consiguió elevar la fotografía de moda al rango de lo artístico, al conseguir acabar con el mito de que los modelos debían proyectar indiferencia o sumisión. Por el contrario, en sus fotografías los modelos eran personajes libres y creativos en sus gestos dentro de escenarios dinámicos y bajo esquemas compositivos previamente decididos.

En los años 1960, Avedon se reveló como un artista comprometido con las inquietudes sociales de su tiempo. Durante el año de 1963 fotografió el Movimiento por los Derechos Civiles en el sur de los Estados Unidos, colaborando en los siguientes años con James Baldwin en el libro Nothing personal. A finales de los 1960 y principios de los 1970, Avedon realizó reportajes sobre líderes militares y víctimas en la Guerra de Vietnam y manifestaciones anti-guerra en los Estados Unidos para el diario New York Times. En la Navidad de 1989-1990 marchó a Alemania para documentar una ciudad dividida en dos mundos diferentes la noche en que caía el Muro de Berlín.

Sus retratos, aparentemente sencillos pero profundamente psicológicos, de personalidades famosas y desconocidas posando frente a un inmaculado fondo blanco, muestran a un cuidadoso fotógrafo capaz de plasmar en papel fotográfico rasgos inesperados de los rostros de personajes de la envergadura de Truman Capote, Henry Miller, Humphrey Bogart o Marilyn Monroe, entre muchos otros.

Su método era sencillo pero efectivo, la derrota anímica del contrario fotografiado a través de largas y cansadas sesiones de hasta cuatro horas. Así, desnudo, el retratado e indefenso era capaz de mostrar su personalidad más sincera.

En el año 1979 comenzó el que habría de convertirse en uno de sus trabajos más importantes. Por encargo del Museo Amon Carter, de Fort Worth, Texas, Avedon dedicó cinco años a recorrer el oeste de los Estados Unidos para documentar a las personas que nunca escribirían la historia de su país. En esta obra, titulada In the american west, nos presenta a granjeros, mineros, vagabundos, prostitutas, amas de casa, presos, vaqueros de rodeo o empleados de pequeñas oficinas, etc. en fotografías de gran formato tomadas con luz de día, al aire libre y como siempre, ante un fondo blanco. Nada hay en ellos del sueño americano o de la tierra prometida, pero son retratos de individuos que han sido observados y artísticamente elevados por la cámara de Avedon mediante una composición sobria, logrando así una considerable fuerza expresiva.

Al término del proyecto, Avedon había recorrido un total de 189 poblaciones en 17 estados; había fotografiado a 752 personas utilizando alrededor de 17.000 placas de película. De ésta colección, escogió 123 retratos que conformarían la serie In the american west 1979 - 1984.

Además del gran formato utilizado para sus fotografías de moda o retratos, desarrolló una obra en paralelo, utilizando el paso universal, que refleja sus vivencias más personales, como viajes o recuerdos familiares.

Algo muy profundo subyace a lo largo de toda la obra de Avedon y, sin embargo, no siempre se ha acertado a concretar en los trabajos realizados en torno a su figura. Es una preocupación sincera, pero a veces elegantemente obsesiva. El tiempo, la vejez y sus tensiones, resulta ser el motivo fundamental en la obra de Avedon. Vemos en su arte cómo nos habla directamente del paso del tiempo y su influencia en el ser humano, y, cómo no, del camino hacia la muerte. Son esos retratos descontextualizados que aparecen ante la cámara sin maquillaje, fatigados o tristes, tal y como se encontraban en ese momento, los que claramente denotan esta inquietud. El final de su libro Portraits (1976), por ejemplo, culmina de forma tremenda pero magistralmente tratada con una serie de siete fotografías de su padre envejeciendo gradualmente hasta que parece haberse integrado en la luz que le rodea.

El 25 de septiembre de 2004 Avedon sufrió una hemorragia cerebral en San Antonio, Texas, mientras se encontraba en una sesión fotográfica para un proyecto encargado por la revista The New Yorker, el cual se titulaba «On democracy», y se enfocaba en el proceso electoral del 2004 en los Estados Unidos; se trataba de retratos de candidatos, delegados de las convenciones nacionales, entre otros involucrados en el tema. Murió en la misma ciudad el 1 de octubre de ese año a consecuencia de las complicaciones médicas.

En el año 1991 recibió el Premio internacional de la fundación Hasselblad.

The Richard Avedon Foundation.

_____

Como curiosidad (y un poco de cotilleing) os pongo unas fotos que he encontrado de su apartamento. La verdad es que me interesa mucho ver el espacio donde vivió, o vive, la gente que me interesa.

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lascosasdepepe

lascosasdepepe dijo

uffffffffff„.„genial, simplemente genial.

un abrazo y gracias por regalarnos este post.

27 Marzo 2010 | 08:51 AM

martamiraalrededor

martamiraalrededor dijo

desde luego!!
de nada, Pepe, me encanta!!

Un abrazo!!

28 Marzo 2010 | 12:49 PM

pinceladasyretazos

pinceladasyretazos dijo

Marta aqui totalmente fascinada leyendo sobre Richard Avendon….disfruto mucho tu gusto por las listas…aqui en tu blog encuentro un mundo maravilloso…me encanta sumerjerme en el….aprender, conocer, mirar…sentir…..gracias por darme tanto.

17 Agosto 2010 | 05:03 AM

martamiraalrededor

martamiraalrededor dijo

Un placer compartir todo esto, pinceladasyretazos!! Intento que en mi blog reine la cultura, la sencillez y el buen rollo. Y sí, me encantan las listas!! jajajaj…

Gracias a ti por lo que dices.

Un abrazo!!

:-)

Marta

19 Agosto 2010 | 09:14 PM

sanjuanino

sanjuanino dijo

Muy lindas fotografiás, marcan una época.
Andi

2 Noviembre 2010 | 03:39 AM

martamiraalrededor

martamiraalrededor dijo

Avedon fue un maestro.

3 Noviembre 2010 | 07:23 PM

6 Noviembre 2010

20 fotógrafos para quitarse el sombrero: 10 - JAMES NACHTWEY (10)
Seguimos con esta serie…
1. RICHARD AVEDON
2. DAVID BAILEY
3. HENRI CARTIER-BRESSON
4. ROBERT FRANK
5. NAN GOLDIN
6. ANNIE LEIBOVITZ
7. JAY MAISEL
8. MARY ELLEN MARK
9. DUANE MICHALS
10. JAMES NACHTWEY
11. HELMUT NEWTON
12. ARNOLD NEWMAN
13. GORDON PARKS
14. IRVING PENN
15. PETE TURNER
16. EUGENE RICHARDS
17. SEBASTIÃO SALGADO
18. HERB RITTS
19. JERRY UELSMANN
20. ALBERT WATSON
____

James Nachtwey (Siracusa, Nueva York, 1948) es un influyente fotógrafo de guerra estadounidense.
Nacido en Syracuse y criado en Massachusetts, se formó en Historia del Arte y Ciencias Políticas. Influenciado por las imágenes de la Guerra de Vietnam y del Movimiento por los derechos civiles de los afroamericanos, decidió hacerse fotógrafo. Trabajó a bordo de navíos de la marina mercante y, mientras aprendía a fotografiar, trabajó como interino en la de edición de películas documentales y como camionero. En 1976 comenzó a trabajar como fotógrafo de periódicos en Nuevo México y, en 1980, se mudó a Nueva York para dar inicio a una carrera como fotógrafo freelance para revistas. Su primer trabajo como fotógrafo internacional fue la cobertura del movimiento civil en Irlanda del Norte en 1981 durante la huelga de hambre protagonizada por miembros del IRA y del INLA. Desde entonces, James Nachtwey se ha dedicado a documentar guerras, conflictos y situaciones sociales precarias.

Desde 1984 es fotógrafo de la revista Time. Estuvo asociado a Black Star de 1980 a 1985 y fue miembro de la agencia Magnum de 1986 a 2001. En este año participó en la fundación de la agencia de fotografía VII Photo Agency. Hizo exposiciones individuales en el Centro internacional de Fotografía (ICP) de Nueva York, en la Bibliothèque Nationale de France en París, en el Palazzo delle Esposizioni de Roma, en el Museum of Photographic Arts de San Diego, en la Culturgest de Lisboa, en el Círculo de Bellas Artes de Madrid y en la Fahey/Klein Gallery de Los Ángeles, entre las más destacadas. Está asociado a la Royal Photographic Society y es doctor honoris causa en artes de la Facultad de Artes de Massachusetts.

En 2001 se publicó el documental War Photographer basado en su obra, dirigido por Christian Frei y nominado a los Oscar como mejor película documental.
En 2003, trabajando para la revista Time en Bagdad fue herido por una granada cuando acompañaba una patrulla del Ejército de los Estados Unidos. Quedó ingresado inconsciente por algunos días.



"He sido un testigo, y estas imágenes son mi testimonio. Los sucesos que he grabado no pueden olvidarse y no deberían repetirse"


"El público y la opinión pública necesitaba el conocimiento de estos temas. Pensé que la fotografía era una herramienta muy útil para concienciar y cambiar, y por eso quise involucrarme en ello".










Nachtwey, utiliza cámaras fotográficas y objetivos de Canon, y apareció en varios anuncios de la marca. Actualmente, utiliza una Canon EOS-1Ds Mark II y también con una cámara fotográfica de película EOS-1V. Utiliza dos cámaras de 35mm y objetivos de 28mm., 35mm., 50mm. Nada más largo que 50mm. Para procesar imágenes digitales, usa un portátil de apple, el PowerBook G4 que usa sobre el terreno, y un PowerMac G4 y una impresora Epson 2200 de gran formato en su estudio.

Impresionantes y durísimas sus imágenes.
Su web.
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Fotógrafos con clase: Andrey Ra un fotógrafo agresivamente real
Fotografia y Videos

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6 comentarios · Escribe aquí tu comentario



mario dijo
Mi querida Marta,
Hoy me encontré esta recopilación
http://www.xatakafoto.com/fotografos/10-fotografos-clasicos-que-n…
Y me acordé de tí, y lo abandonado que tienes este proyecto, jajaj
Comparten 4 fotógrafos; y yo estoy ansioso de ver lo que muestras de Helmut Newton!
Un abrazo
3 Abril 2011 | 12:33 AM




martamiraalrededor dijo
Uy, es verdad, Mario!!! UFFF!!! Me meto en tantas historias que…Sí que he de continuarlo, porque me encantan!!!
En la lista compartimos 4. Luego hay 4 sueltos por el blog ^_^ , Diane Arbus está aquí:
http://martamiraalrededor.lacoctelera.net/post/2009/02/08/diane-a…
3 Abril 2011 | 02:23 AM




martamiraalrededor dijo

y Walker Evans aquí:
http://martamiraalrededor.lacoctelera.net/post/2009/02/07/walker-…
Eugène Atget aquí:
http://martamiraalrededor.lacoctelera.net/post/2009/06/17/eugene-…
y el genial William Eggleston aquí:
http://martamiraalrededor.lacoctelera.net/post/2009/07/09/william…
Faltarían: Ansel Adams (que hubiera jurado que había hablado de él en mi blog, hummm ?) y Lee Friedlander
Igual he de ampliar la lista a 30, porque también me gustaría meter a alguno más.
En fin, se admiten sugerencias!!!! y mil gracias!!!!
3 Abril 2011 | 02:23 AM



mario dijo
Jajaja,
Eres una viciosa (en el buen sentido) de los grandes de la fotografía eh!
Pues mis sugerencias (creo que algún día ya te los había dicho) son 3:- Man Ray (americano)- Manuel Álvarez Bravo (mexicano)- Chema Madoz (español)
Los demás los menciones, jajaj
Se despide un asiduo lector de tus post
3 Abril 2011 | 03:45 PM




martamiraalrededor dijo
jajajaja… no hace falta que especifiques… jajajaj
Respecto a los 3 fotógrafos… tomo nota. Man Ray lo tenía en mente.de Chema Madoz ya he escrito argo…a ver…pera…
uhhh, qué raro, juraría que lo habia comentado cuando fui a ver una expo suya… pues no, no está.
;))
4 Abril 2011 | 06:19 PM




Januman García dijo
Y Andor Kertész??? Por qué tan poca gente incluye en sus listas a un fotógrafo del que Cartier-Bresson dijo: “Por más que hagamos, ya lo hizo antes y mejor Kerstez”
8 Octubre 2013 | 02:35 AM

6 Noviembre 2010

20 fotógrafos para quitarse el sombrero: 10 - JAMES NACHTWEY (10)

Seguimos con esta serie…

James Nachtwey (Siracusa, Nueva York, 1948) es un influyente fotógrafo de guerra estadounidense.

Nacido en Syracuse y criado en Massachusetts, se formó en Historia del Arte y Ciencias Políticas. Influenciado por las imágenes de la Guerra de Vietnam y del Movimiento por los derechos civiles de los afroamericanos, decidió hacerse fotógrafo. Trabajó a bordo de navíos de la marina mercante y, mientras aprendía a fotografiar, trabajó como interino en la de edición de películas documentales y como camionero. En 1976 comenzó a trabajar como fotógrafo de periódicos en Nuevo México y, en 1980, se mudó a Nueva York para dar inicio a una carrera como fotógrafo freelance para revistas. Su primer trabajo como fotógrafo internacional fue la cobertura del movimiento civil en Irlanda del Norte en 1981 durante la huelga de hambre protagonizada por miembros del IRA y del INLA. Desde entonces, James Nachtwey se ha dedicado a documentar guerras, conflictos y situaciones sociales precarias.

Desde 1984 es fotógrafo de la revista Time. Estuvo asociado a Black Star de 1980 a 1985 y fue miembro de la agencia Magnum de 1986 a 2001. En este año participó en la fundación de la agencia de fotografía VII Photo Agency. Hizo exposiciones individuales en el Centro internacional de Fotografía (ICP) de Nueva York, en la Bibliothèque Nationale de France en París, en el Palazzo delle Esposizioni de Roma, en el Museum of Photographic Arts de San Diego, en la Culturgest de Lisboa, en el Círculo de Bellas Artes de Madrid y en la Fahey/Klein Gallery de Los Ángeles, entre las más destacadas. Está asociado a la Royal Photographic Society y es doctor honoris causa en artes de la Facultad de Artes de Massachusetts.

En 2001 se publicó el documental War Photographer basado en su obra, dirigido por Christian Frei y nominado a los Oscar como mejor película documental.

En 2003, trabajando para la revista Time en Bagdad fue herido por una granada cuando acompañaba una patrulla del Ejército de los Estados Unidos. Quedó ingresado inconsciente por algunos días.

"He sido un testigo, y estas imágenes son mi testimonio. Los sucesos que he grabado no pueden olvidarse y no deberían repetirse"

"El público y la opinión pública necesitaba el conocimiento de estos temas. Pensé que la fotografía era una herramienta muy útil para concienciar y cambiar, y por eso quise involucrarme en ello".

Nachtwey, utiliza cámaras fotográficas y objetivos de Canon, y apareció en varios anuncios de la marca. Actualmente, utiliza una Canon EOS-1Ds Mark II y también con una cámara fotográfica de película EOS-1V. Utiliza dos cámaras de 35mm y objetivos de 28mm., 35mm., 50mm. Nada más largo que 50mm. Para procesar imágenes digitales, usa un portátil de apple, el PowerBook G4 que usa sobre el terreno, y un PowerMac G4 y una impresora Epson 2200 de gran formato en su estudio.

Impresionantes y durísimas sus imágenes.

Su web.

servido por martamiraalrededor 6 comentarios compártelo

6 comentarios · Escribe aquí tu comentario

mario

mario dijo

Mi querida Marta,

Hoy me encontré esta recopilación

http://www.xatakafoto.com/fotografos/10-fotografos-clasicos-que-n…

Y me acordé de tí, y lo abandonado que tienes este proyecto, jajaj

Comparten 4 fotógrafos; y yo estoy ansioso de ver lo que muestras de Helmut Newton!

Un abrazo

3 Abril 2011 | 12:33 AM

martamiraalrededor

martamiraalrededor dijo

Uy, es verdad, Mario!!! UFFF!!! Me meto en tantas historias que…
Sí que he de continuarlo, porque me encantan!!!

En la lista compartimos 4. Luego hay 4 sueltos por el blog ^_^ , Diane Arbus está aquí:

http://martamiraalrededor.lacoctelera.net/post/2009/02/08/diane-a…

3 Abril 2011 | 02:23 AM

martamiraalrededor

martamiraalrededor dijo

y Walker Evans aquí:

http://martamiraalrededor.lacoctelera.net/post/2009/02/07/walker-…

Eugène Atget aquí:

http://martamiraalrededor.lacoctelera.net/post/2009/06/17/eugene-…

y el genial William Eggleston aquí:

http://martamiraalrededor.lacoctelera.net/post/2009/07/09/william…

Faltarían: Ansel Adams (que hubiera jurado que había hablado de él en mi blog, hummm ?) y Lee Friedlander

Igual he de ampliar la lista a 30, porque también me gustaría meter a alguno más.

En fin, se admiten sugerencias!!!! y mil gracias!!!!

3 Abril 2011 | 02:23 AM

mario

mario dijo

Jajaja,

Eres una viciosa (en el buen sentido) de los grandes de la fotografía eh!

Pues mis sugerencias (creo que algún día ya te los había dicho) son 3:
- Man Ray (americano)
- Manuel Álvarez Bravo (mexicano)
- Chema Madoz (español)

Los demás los menciones, jajaj

Se despide un asiduo lector de tus post

3 Abril 2011 | 03:45 PM

martamiraalrededor

martamiraalrededor dijo

jajajaja… no hace falta que especifiques… jajajaj

Respecto a los 3 fotógrafos… tomo nota. Man Ray lo tenía en mente.
de Chema Madoz ya he escrito argo…
a ver…
pera…

uhhh, qué raro, juraría que lo habia comentado cuando fui a ver una expo suya… pues no, no está.

;))

4 Abril 2011 | 06:19 PM

Januman García

Januman García dijo

Y Andor Kertész??? Por qué tan poca gente incluye en sus listas a un fotógrafo del que Cartier-Bresson dijo: “Por más que hagamos, ya lo hizo antes y mejor Kerstez”

8 Octubre 2013 | 02:35 AM

6 Noviembre 2010

colecciones
me encantan las colecciones de cosas!!

(fuente)

6 Noviembre 2010

colecciones

me encantan las colecciones de cosas!!

(fuente)